Texte de l'exposition par Carole Boulbès

Bien malin celui qui dira où Nina Childress puise son inspiration. La chanson populaire ? les séries ? la téléréalité, la presse à sensation pour jeunes filles ? les films d’amour ? l’Art lyrique ? la vie de famille ? les romans-feuilletons ? l’Histoire de l’Art ? Qu’elle soit monumentale ou intimiste, sa peinture évolue en fonction des rencontres, quand les souvenirs remontent à la surface malgré nous, ou en expérimentant de nouveaux matériaux picturaux : huiles et pigments iridescents ou phosphorescents, peinture vinylique, peinture émail. Les objets collés ne sont pas en reste : lacets, chevrons, strass, paillettes, poils de pinceau, tissus miroir, plastique, toile de jean, toile holographique, etc… Parler d’une nouvelle esthétique pop pourrait sembler une évidence, même si l’artiste ne revendique pas particulièrement cette étiquette.


Nina Childress aime le cinéma, la peinture, la musique des années 1970. Elle apprécie particulièrement le travail de David Hockney qu’elle a beaucoup regardé. Elle n’évoque guère celui de Pauline Boty… Il faut dire qu’il est très peu connu et presque jamais montré. Décédée à moins de trente ans, Boty est une étoile filante presque effacée aujourd’hui. Tout au moins en France. Par-delà les années, des points de jonction rapprochent les deux peintres : née en 1938 près de Londres, la Britannique a peint les stars du show business : Monica Vitti, Jean-Paul Belmondo, Marilyn Monroe… autant d’oeuvres qu’on a pu qualifier d’« iconographie pop ». Elle fut l’une des pionnières du mouvement pop en Angleterre. Rebelle, Boty dut trouver sa place auprès de Peter Blake, Richard Hamilton et Eduardo Paolozzi… Née en 1961 à Pasadena en Californie, Nina Childress fit partie, pendant les années 1980, du groupe Les frères Ripoulin dans la mouvance de la Figuration libre parisienne auprès de Pierre Huyghes et Claude Closky. Cheffe d’atelier à l’École nationale des Beaux-Arts de Paris depuis 2019, elle est bien connue pour avoir peint les visages de la petite groupie Pamela B., mais aussi de Sylvie Vartan, France Gall, Jane Birkin sous forme de Grosses têtes. Plus récemment, elle a fait les portraits de Catherine Deneuve, Patrick Juvet, Stone et Charden… L’intérêt pour la culture populaire, la chanson, mais aussi la bande dessinée et le cinéma est un autre point commun entre les deux artistes ; sans oublier le soin apporté à leur image publique dans les journaux, les magazines et la mode : Pauline fut une séduisante actrice parfois comparée à Brigitte Bardot, tandis que Nina est devenue une académicienne punk.


Pour la fouineuse opiniâtre qu’est Childress, les années 1970 offrent un riche et illimité réservoir d’images rock, psychédéliques ou « unisexes » qui nous font réfléchir à notre passé. Pourtant, même Patrick Juvet ne fait plus rêver ! Une sorte de mélancolie s’est emparée d’Olympia (2022). Vu de dos dans sa loge, mais reflété par un miroir comme dans Un Bar au folie Bergère d’Édouard Manet, le célèbre chanteur de variété semble perdu, les yeux baissés. Strass et paillettes ne parviennent plus à égayer l’atmosphère. Les poils de pinceau sont restés collés sur la toile, pervertissant l’image blonde et lisse du minet charmeur. « Il est trop tard pour faire l’amour. Il est trop tard pour les discours ».
Amour toujours ou plutôt passion érotique avec Rosalind Kiss 1 (2024) : une femme blonde embrasse fougueusement un homme (?) dans une scène du film The Lovers d’Herbert Wise (1973), comédie britannique interprétée par Rosalind Ayers et Richard Beckinsale. Fusionnel, le couple est vu en gros plan, mais leurs visages violets se confondent avec l’arrière-plan du tableau. Le trouble est encore plus sensible dans Cherie Joan (2023) où l’on croit reconnaître (malgré leurs gros yeux fluorescents) la chanteuse Joan Jett enlaçant la batteuse Cherie Currie du groupe rock les Runaways. Quant aux deux jeunes garçons, les Saints Sebastien (2019), que l’on voit affalés sur le sol d’un squat avec un arrière-plan très graphique, Nina les emprunte à une séquence du documentaire de Jean Schmidt Comme des anges déchus de la place Saint Michel (1979).


Si l’invention du prince charmant est la plus grande arnaque depuis l’invention du jacuzzi, comme le disent à juste titre Ovidie et Sophie-Marie Larrouy, les duos de Johnny et Sylvie, Ringo et Sheila, et surtout Stone et Charden ont tout fait pour nous faire gober le contraire. Pendant les années 1970, ils chantaient à la télévision, débordant de désir, les yeux pétillants, susurrant à l’autre en gros plan : « L’avventura, c’est dormir chaque nuit dans tes bras. C’est tes mains qui se posent sur moi ». Aujourd’hui, tout cela semble un peu trop fabriqué et la belle aventure n’est plus regardable que de dos : ex-fan de Nina Hagen, Childress se contente de peindre les cheveux blonds de Stone près de la perruque de Charden (à moins que ce ne soit l’inverse). Dans la même veine, Family of 24 (2024) offre un exemple d’insouciance familiale : grâce à une lampe torche LED, nous faisons irruption dans l’univers de Ringo et Sheila. Posant fièrement, les deux stars sont entourées de peluches d’animaux dissimulées sous la surface verte de la toile peinte par les pigments phosphorescents.


L’amour réciproque (vraiment ?), c’est aussi l’Amour de l’art. En 2023, un nouveau chapitre s’ouvre dans l’oeuvre exubérante de l’artiste, un chapitre central dans l’exposition. Les couples de collectionneurs ou de marchands d’art ne manquent pas, mais l’artiste a plus particulièrement jeté son dévolu sur l’un d’entre eux, célèbre notamment pour avoir fondé l’Armory Show de New York en 1994. Dans les années 1980, au moment où elle chantait dans le groupe Lucrate Milk, Childress connaissait bien Pat Hearn (directrice de la galerie du même nom qui exposait notamment George Condo) et un peu moins son mari Colin de Land (directeur d’American Fine Arts qui représentait notamment Richard Prince). Plus de quarante ans plus tard, elle s’attaque aux visages des deux comparses avec Pat Hearn facing et Colin de Land facing qu’elle représente frontalement sur des fonds de couleurs différentes. Puis elle les peint en plan américain, toujours d’après photo, et représente les deux marchands aux looks un peu excentriques sur leur lieu de travail. Les longs titres de ces deux grands formats (130 x 210 cm) évoquent le marché de l’art et ses riches perspectives d’avenir à l’aube des années 1990 (« Now the market is better and we outgrew the funkiness ». « I think that there is something noble about selling art for a living…But I’m not sure about collecting it »). Le style réaliste implacable des oeuvres est transformé en bad painting dans le portrait de Colin (Curtain) et Pat (Curtain) ou dans l’invraisemblable Cape Cod. Bref, tout cela produit un effet beaucoup plus inquiétant que le joli profil de Pat Hearn sérigraphié par l’atelier d’Andy Warhrol en 1985 !


Réciproques ou non, les histoires d’amour finissent… plutôt mal… en général. « T’aimer encore une fois, t’aimer encore une fois. Oh ! rester près de toi, s’aimer encore une fois ». Hankie (2025) représente l’actrice Farrah Fawcett, un petit mouchoir blanc à la main. Cette image est extraite du film Myra Breckinridge (1970) de Mickael Sarne. Par ce choix, Nina Childress semble résumer l’une de ces éprouvantes et ridicules scènes de passion déchirante où l’aimé (e) disparaît et se refuse à celui ou celle qui l’aime. Centrale, la thématique de la séduction se dissimule fréquemment sous les brillances glacées et les masquages qui évoquent des collages plastifiés aux couleurs froides. Certes, Childress simule la profondeur de champ en jouant sur l’opposition entre peinture à l’huile et pigments iridescents. Certes, elle parvient à briser l’aspect statique du tableau en nous incitant à nous déplacer de gauche à droite pour voir la surface changer de couleur sous l’effet des pigments caméléon. Mais l’obsession de l’amour n’est pas abandonnée pour autant. Dans l’énigmatique Drogstore Café (2026) où les volutes d’une cigarette fumée par Today Molone se superposent au profil d’un homme qui apparaît et disparaît, l’artiste associe à nouveau acrylique, pigments iridescents et huile sur toile. Mais la tension est encore plus forte dans Black Hat (2025) qui inclut de la toile de jean et des strass. Nina Childress a tout simplement détourné les visages de Marie-Hélène Breillat (avec un chapeau noir) et Annie Girardot (de dos) dans le sulfureux film Mourir d’aimer d’André Cayatte tourné en 1970 et inspiré d’une histoire « vraie ». Ambiguë, l’image retenue est empruntée à la scène d’adieu entre les deux actrices dans la prison où elles sont incarcérées, la première pour s’être droguée, l’autre pour ses relations amoureuses avec un adolescent.


Académie ou subversion ? Dans l’exposition Amour réciproque, l’artiste laisse libre cours à son amour du portrait. « C’est ce que j’aime le mieux peindre », affirme-t-elle tout simplement. Réciproques ou non, toutes les étapes de la rencontre amoureuse sont suggérées avec humour, avec un goût prononcé pour le second degré. Ainsi les visages peu expressifs des couples nous laissent circonspects, car on ne saurait dire avec certitude lequel avoue à l’autre : « Je t’aime, je t’aime et tu n’en sais rien » ou encore « Je te dirai que je t’aime à la folie ». Dans bien des oeuvres, réussite et ratage, good et bad painting se donnent la main. Cet attrait pour le kitsch, le mauvais goût et certaines références à l’histoire de l’art font penser aux peintures de George Condo, à la période « vache » de René Magritte ou encore aux nus féminins de Francis Picabia peints à partir de photographies de revues érotiques. Méthodique, Childress indexe consciencieusement ses oeuvres, leurs dates de création, leurs localisations et leurs titres (même lorsqu’il s’agit des 69 portraits dessinés de ses amants). Archiviste, elle conserve précieusement les éléments déclencheurs de ses peintures. Images photographiques tirées d’un film, d’une revue, d’un livre sont autant de condensés d’obsessions.